Romeu di Sessa

Segue a ementa, um resumo de boa parte do que você vai aprender no curso:

 

As três palavras que regem a vida de um roteirista: respeito, escolhas e controle.

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Premissa que o curso defende:

Mais do que se comunicar, o ser humano é capaz de contar e entender histórias. Somos os únicos na natureza com essa habilidade. Isso foi e é fundamental para evolução da espécie. Contar história não é mera diversão, é elemento essencial de sobrevivência e evolução, porque contando histórias compartilhamos nossas vivências. É possível que sem a dramaturgia fôssemos apenas outro tipo de macaco, talvez mais inteligentes, mais hábeis com a fala, mas ainda assim apenas outro tipo de macaco. Mas para o ato de contar uma história funcionar, é preciso que ela seja contada numa certa sintaxe, num padrão pré-estabelecido, um paradigma, que preencha a expectativa de quem a ouve, senão não terá como o interlocutor absorver as informações nela contidas.

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● Toda história conta uma experiência transformadora, positiva ou negativa.

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● A história tem que ser universal e ao mesmo tempo única.

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● Exemplo básico de uma história dentro do paradigma.

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● Estudiosos como Aristóteles, Campbell, Field, Vogler e McKee não criaram este paradigma, eles o detectaram e o expuseram didaticamente e o transformaram numa ferramenta para quem escreve. O paradigma já está dentro de cada escritor, apenas por ser um ser humano. O estudo da dramaturgia dá controle ao autor sobre sua obra e seu processo criativo. Esses teóricos - bem como o estudo da dramaturgia - não ensinam como escrever um bom roteiro, eles explicam como os bons roteiros são escritos.

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● Não é uma fórmula, mas uma forma.

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● A boa notícia: dramaturgia não é álgebra, nem contabilidade. A má notícia: dramaturgia não é a casa da avó, onde pode tudo... Existem regras, que por mais que elas tenham alguma flexibilidade, devem ser sempre observadas. E você pode romper todas as regras, desde que você saiba o que está fazendo.

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● Diferença entre tema e temática.

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● Os três atos e seus elementos.

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● O que compõe os Universos – Universo Comum e Universo Especial.

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● Backstory. Como era o personagem antes do filme começar.

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● A Fraqueza Moral do personagem e o que ela define na sua trajetória.

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● O poder do Midpoint.

 

● Diferença entre Clímax e Resolução – diferença entre o que o personagem quer e o que ele precisa - diferença entre anticlímax e arco negativo.

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● Subtramas, tramas correlatas que formam a trama principal e influenciam nela.

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● Arco do personagem, mudança, ele mereceu (nos dois sentidos: prêmio e castigo).

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● Fuja dos clichês, especialmente os de "primeira prateleira". Pense sempre com a parte de cima do seu cérebro: não "lembre", crie!

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● Motivação e empatia. O ser humano é capaz de se colocar no lugar do outro. Dramaturgia vive desta habilidade humana, sem ela, não existiria dramaturgia.

 

● Sem motivação e sem obstáculos, não há drama, nem trama. A isso dá-se o nome de conflito: a oposição entre motivação e obstáculos. O que define um personagem (e por consequência o desenrolar da trama) é como ele lida com seus obstáculos e qual seu comprometimento com seu objetivo, com seu quest.

 

● O conflito é sempre interno, apesar de também existirem conflitos externos.

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● Subtexto: Um personagem é o que ele faz, não o que ele fala.

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● Fuja dos estereótipos, eles são sempre reduções, baseadas em preconceitos.

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● Arquétipos recorrentes na dramaturgia:

Herói

Vilão/antagonista

Mentor

Guardião de limiar

Aliado

Arauto

Pícaro

Camaleão

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● Master Scene. Os alunos receberão um template de Word neste formato oficial do mercado, para já começarem a desenvolver as tarefas (e seus projetos) nele. Receberão também um vídeo explicando minuciosamente o que é e como é o Master Scene.

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● Composição de cenas. Cena é a parte da história que você escolheu contar.

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● Beat: o menor elemento de um roteiro, os pulsos de cada cena.

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● Uma cena só serve para fazer a história andar para frente, ou para revelar informações sobre os personagens. Todas as outras devem ser excluídas.

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● Você não escreve para o público, mas para uma equipe de produção.

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● O roteirista decide "o quê", quem decide "como" é o diretor. Aceite isso com resignação. Não é para decupar!! Isto é trabalho do diretor, você não ganha para isso.

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● Trabalhos amadores não precisam de pesquisa. Todos os outros precisam.

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● Domine o patois, a idiossincrasia da "língua" que os personagens falam.

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● Dê personalidades distintas para cada um dos seus personagens, não faça todos falarem como você.

(A menos que você seja o Woody Allen...)

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● Character-Driven x Plot-driven, a falsa questão.

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● Ideias de primeira geração. Use a primeira ideia que lhe vier à cabeça exclusivamente se você for um gênio. Caso contrário, trabalhe. Acredite: você é capaz de pensar em muitas soluções para uma mesma situação. Pense em várias e escolha a melhor.

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● Verossimilhança e plausibilidade: Uma provável impossibilidade é melhor do que uma possibilidade improvável.

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● Exija sempre Inteligência do seu público, nunca exija cultura.

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● A diferença entre cultura, inteligência e senso comum.

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● Show, don't tell. O cinema foi mudo por mais de 30 anos. E deu certo. Grandes obras primas foram feitas sem que uma única palavra fosse dita. O público paga ingresso para ver, não para ouvir falar. É cinema, não rádio novela.

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● Se for falar, fale bem. Diálogo é sedução.

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● Os dois lados têm que ter razão.

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● “A Arte da Berinjela”: Plantando informações que o público precisará ter ao longo da história.

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● "On the nose": exposição didática e aborrecida versus inteligência e cumplicidade com o público. O público não é bobo.

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● Entre tarde, saia cedo. Toda cena tem uma função na trama. Ela deve começar um instante antes de cumprir essa função e deve acabar um instante depois. Não enrole.

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● Personagem não é seu empregado, é uma pessoa e tem que ser tratada como tal. Quando você o trata com respeito, ele retribui, ajudando a compor a história.

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● Quem tem que viver é o personagem, quem tem que sentir emoções é o público.

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● O desafio cai do céu, a solução não. O acaso só pode complicar a vida do protagonista, nunca resolver.

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● Clockticking, é a chave para suspense e comédia.

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● Deus Ex Machina. Nunca! (se usar, não conte a ninguém que foi meu aluno...)

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● O Processo de Criação e suas etapas.

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● Projeção de um vídeo que "simula" como pode ter sido a criação do roteiro do filme "Uma Linda Mulher".

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● O Fluxo de Informação: quem sabe o que, quando? As possibilidades são:

- Protagonista vai descobrindo as coisas junto com o público;

- Protagonista sabe mais que o público;

- Público sabe mais que o Protagonista;

- Público e Protagonista descobrem juntos a informação bombástica;

- Protagonista tem um segredo. Ele e o Público sabem mais do que os outros personagens da trama.

Nenhum "está certo" nem "errado", cada história tem sua demanda.

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● Tipos de histórias quanto ao Plot.

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● Um roteiro é uma mala pequena para uma viagem longa. Leve só o necessário. Na dúvida, corte. Sem dó.

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● REESCREVER! Por que se reescreve?

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● Um roteirista precisa ter muitos amigos. Preste atenção no problema que eles detectaram, não obrigatoriamente na solução que eles deram.

 

● Um roteirista precisa ter bagagem, repertório, vivência. Saia do Instagram e vá se ferrar um pouco na vida, se quiser ser roteirista.

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● Adaptação de história real não é reportagem.

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● O seu personagem pode ter uma agenda política, ideológica, religiosa, ou social a cumprir. A sua não interessa. O filme NUNCA é sobre o roteirista que o escreveu. Se você quiser abordar um tema que lhe seja caro ou que julgue importante, faça com que seu personagem o VIVA, não que seja seu porta-voz.

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● Escrever é verbo, não adjetivo, o termo não descreve uma qualidade sua, mas uma atividade. Portanto escreva MUITO.

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● E o mais importante de tudo: Revolucione o quanto quiser! Mas antes de revolucionar, coma o clássico com farinha.

 

Ao final, assistiremos a um filme, comentando cena por cena. Os temas já abordados serão revistos, agora de forma aplicada.

 

Toda aula tem lição de casa, que será lida e comentada em classe na aula seguinte.